Die Rückkehr von „Dornröschen“ ist nicht das Wiedererwachen des City Ballet

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Das Unternehmen beendete seine Saison mit zwei Wochen „Dornröschen“ von Peter Martins, einer Reihe von Debüts und vier Werbeaktionen.

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Von Gia Kourlas

Aurora bedeutet Morgendämmerung. Beim New York City Ballet gibt es Auroras – die Prinzessin im Herzen von „Dornröschen“ – und dann ist da noch Indiana Woodward, eine Tänzerin voller Leichtigkeit und Freude. Woodward ist eine junge Ballerina, deren Hingabe einem Geschichtenballett wie „Beauty“ nicht nur Sorgfalt und Lebendigkeit, sondern eine Art moderne Seele verleiht. Verkörpert Woodward nicht die Idee der Morgendämmerung? Ihre Art, Bewegung und Musik zu verschmelzen, ist größer als das Ballett: Sie tanzt mit einem sich erweiternden Herzen, voller Möglichkeiten und Neuanfänge – nicht nur in ihrem Tanz, sondern in der Tanzperiode.

Mit ihrer Rückkehr in die Rolle der Aurora, die sie 2019 an der Seite von Anthony Huxley debütierte, verlieh Woodward der Figur neue Details, die scheinbar aus ihrer Art zu sein entstanden waren. Sie näherte sich den schwierigen Balanceakten des Rosen-Adagio – in einem Abschnitt wechseln sich vier Verehrer ab, sie im Kreis zu drehen und sie kurzzeitig ohne Unterstützung zu lassen, bis der nächste ihre Hand ergreift – nicht mit Beklommenheit oder schlimmer noch mit dem Gefühl, dass sie es überprüfte Technische Elemente wurden von der Liste gestrichen, aber sie begrüßten jedes mit einer sonnigen Lebensfreude, selbst in Momenten des Unbehagens.

Sie fiel nie von der Spitze, sondern blieb ihrer Figur bei jeder Wendung treu: Eine junge Frau, die nach und nach Stabilität findet und optimistisch auf die nächste Phase ihres Lebens blickt. Während das Ballett von der Visionsszene – als die Fliederfee Prinz Désiré verrät, dass eine schlafende Prinzessin darauf wartet, von seinem Kuss wiedererweckt zu werden – bis zum Pas de deux der Hochzeit weiterging, beleuchtete sie die Bühne schnell und beharrlich, indem sie ihre Augen einsetzte. ihre Wirbelsäule und warf sogar ihren Kopf zurück, während sie herumwirbelte, um dem Gefühl mehr Schwung zu verleihen.

Zum Abschluss der Wintersaison des City Ballet bot „Beauty“, 1991 von Peter Martins choreografiert, auch eine lebhafte Eröffnungsbesetzung mit Megan Fairchild als Aurora, Joseph Gordon als Désiré und einer bezaubernd gelassenen und jenseitigen Mira Nadon als Fliederfee. Maria Kowroski, eine gefeierte ehemalige Direktorin der Kompanie, kehrte zurück, um die Rolle der bösen Carabosse zu übernehmen, die sie mit böser, glamouröser Freude spielte. Der Prinz hat in „Beauty“ nicht viel zu tun, aber Gordon verschönerte das Pas de Deux der Hochzeit mit seinen windgepeitschten Sprüngen und seiner zärtlichen Begeisterung.

Und Fairchilds Aurora bleibt eines von herrlicher Klarheit. Sie tanzt immer noch um alle herum – mit Intelligenz, mit Vitalität und, wie Woodward, dem Gefühl, dass ein neuer Tag anbricht.

Diese Saison beinhaltete auch Debüts als Aurora für Unity Phelan und Isabella LaFreniere, die nach der letzten Aufführung von „Beauty“ am Sonntag zusammen mit Nadon, Emilie Gerrity und Roman Mejia zur Solotänzerin befördert wurde. Phelan, mit dem Firmenveteranen Andrew Veyette als Prinz, tanzte gut – ihre Art von Drama ist wunderbar schnörkellos und das brachte zusammen mit der Beweglichkeit ihrer Gliedmaßen ihre Aurora zum Fließen.

Dies war ein erster Schritt zur Eroberung der Rolle. Aber es gab Störungen. Während der Promenadenbalancierungen im Rosen-Adagio schien sie solche Angst davor zu haben, die Hände ihrer Verehrer zu verpassen, dass ihr Kinn auf und ab neigte. Doch später, als sie die Bühne mehr oder weniger für sich allein hatte, bewegte sie sich genüsslich. In vielerlei Hinsicht war ihre Interpretation wie ihr Tanz – sie wuchs mit der Zeit. Veyettes ruhiger und sicherer Partner war von Vorteil – das Paar fand Synchronizität auf eine Weise, die LaFreniere und Peter Walker, der sein Debüt als Prinz gab, nicht taten.

Für einen lyrischen Tänzer wie LaFreniere stellte Aurora eine Herausforderung dar. Ihre Anfangsbilanzen waren angespannt und es gab andere Momente, in denen ihr Standbein zu zittern schien und zu Ausrutschern führte, die ihre Verbindung zur Musik ungelöst ließen. Ihre Variationen in den Szenen „Vision“ und „Hochzeit“ zeigten eine selbstbewusstere Seite ihres Tanzes – robust, schlank, gestreckt.

Walkers angeborene geheimnisvolle Atmosphäre funktionierte in der Vision-Szene besser als in der Hochzeitsszene; Die Fischtauchgänge des Paares waren eigenartig – anstatt dass LaFreniere, unterstützt von Walker, sanft in eine Tauchposition segelte, stotterte ihr Körper an Ort und Stelle. Aber Nadons Fliederfee voller Weite und Pracht war unauslöschlich. Die Art und Weise, wie sie verweilte und durch die Stufen glitt und sie wie Perlen aneinanderreihte, ließ einen fragen, ob die Fliederfee und nicht Aurora der Star der Show war.

Gerrity, die ebenfalls ein Lilac-Debüt gab, war bezaubernd, vor allem wegen des feinen, unerschütterlichen Einsatzes ihrer Arme und ihrer allgemeinen Anziehungskraft. Sie ist eine Mischung aus üppig und geerdet – den Schritten verpflichtet und sie dennoch ruhig beherrschend. Emily Kikta, die als Lilac in einer anderen Besetzung debütierte, hatte immer das Kommando und nutzte ihre Größe und Kraft: Sie tanzt wunderschön groß, sie zeigt mühelos Stellungen, aber mit mehr Flow könnte sie umwerfend sein.

In einem Geschichtenballett ist jede Figur wichtig, auch die Nebenfigur. Doch bei dieser „Dornröschen“-Inszenierung scheint zu sehr von den Instinkten der Tänzer abzuhängen. Wie sonst könnte Christina Clark als Königin – herrisch, elegant distanziert – die gleiche Rolle spielen wie andere, die so wählerisch und überschwänglich waren? Manche Königinnen ähnelten eher einer Bühnenmutter als der Mutter einer Prinzessin. Die Gräfin war eine andere Art von Geschäftigkeit, in anderen Besetzungen: Sie verdrehte dramatisch die Augen und wedelte verärgert mit den Armen, während der Prinz deprimiert Abstand hielt. Konnte ihm irgendjemand die Schuld geben?

Auch die Variationen für die Feen waren manchmal schwer anzusehen; Das oft beschleunigte Tempo machte viele von ihnen zu einem unbeholfenen Sprint. Die Herausragenden stachen hervor, darunter Nieve Corrigan (Vivacity) und Dominika Afanasenkov (Generosity), die in ihrer Musikalität, ihrer Zartheit und ihrer Erhabenheit das Zeug zu einer zukünftigen Fliederfee zeigten.

Während „Dornröschen“ Momente bietet, in denen Tänzer glänzen können – sein Höhepunkt bleibt George Balanchines Beitrag, der herrlich musikalische „Garland Dance“, – ist es immer noch ein Martins-Ballett. Es leidet unter theatralischem Schleudertrauma und schwerfälligen Wiederholungen; Einige Variationen vergehen wie im Flug, während andere im Sande verlaufen. Es ist nicht der schlechteste Tanz von Martins, aber ihn wieder auf die Bühne zu bringen bedeutet kaum einen Neuanfang für die Kompanie. Eher das Gegenteil. Wann ist sein Kapitel City Ballet endlich vorbei?

Seit Martins 2018 aufgrund von Vorwürfen sexueller Belästigung sowie körperlicher und verbaler Misshandlungen als Leiter des City Ballet zurücktrat, befindet sich das Unternehmen in einer Phase der Anpassung und des Wandels. Eine vom Vorstand des City Ballet in Auftrag gegebene interne Überprüfung bestätigte die Vorwürfe nicht (und er hat sie zurückgewiesen). Aber da war er am Eröffnungsabend im Publikum. Es war beunruhigend.

Ich verstehe, dass „Beauty“ eine Cash-Cow ist. Das Publikum scheint, besonders in letzter Zeit, das Theater zu füllen – bis unter die Dachsparren! Aber es ist ein schlechtes Zeichen, wenn der beste Teil einer abendfüllenden Produktion, über den von Balanchine choreografierten Teil hinaus, eine kleine Szene mit Rotkäppchen ist – hier sitzen kleine Kinder mit gekreuzten Beinen auf der Bühne und wiegen kleine Bäume, während ein ausgelassener Wolf es tut ermahnt von unserer bezaubernden, verhüllten Heldin mit festem Fingerwedeln. So wie ich möchte, dass dieses Ballett besser wird, möchte ich auch, dass es dem Publikum besser geht.

Gia Kourlas ist Tanzkritikerin der New York Times.

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