Die vielschichtigen Intimitäten der Drucke von Nicole Eisenman

Von Grace Edquist

Im Jahr 2010, nach einer intensiven Phase der Malerei, wollte die Künstlerin Nicole Eisenman eine Veränderung, etwas, um eine Praxis aufzurütteln, die ihr fast zu vertraut geworden war. Sie packte ihre Farben in einen Koffer, putzte die Wände ihres Ateliers mit einem frischen weißen Anstrich und machte sich an die gewaltige Aufgabe, bei Null anzufangen – dieses Mal als Grafikerin. Zwei Jahrzehnte nach Beginn ihrer fruchtbaren Kunstkarriere war sie wieder eine Anfängerin. „Es fühlte sich wirklich befreiend an: Plötzlich gab es eine ganze Reihe neuer Probleme und Rätsel, mit denen man spielen konnte“, sagt Eisenman. Monatelang widmete sie sich dem Erlernen des Handwerks. Sie malte ein Jahr lang nicht.

Die Ergebnisse dieser intensiven Druckgrafik – und ihrer Arbeit in diesem Medium seitdem – sind jetzt im Print Center New York prachtvoll ausgestellt. „Nicole Eisenman: Prince“ läuft bis zum 13. Mai und umfasst mehr als 40 Lithografien, Radierungen, Monodrucke, Holzschnitte und andere Drucke, von denen einige selten (wenn überhaupt) zu sehen waren.

Eisenmans Werk hat sie zu einer der bedeutendsten Künstlerinnen der Gegenwart gemacht und ihr einen MacArthur-Preis eingebracht. Für diejenigen, die mit Eisenmans Gemälden und Skulpturen vertraut sind – die große, cartoonartige Figuren in Situationen zeigen, die von verspielt bis fast unheimlich reichen, oft mit queeren und politischen Themen – sind diese Drucke Seelenverwandte. Klanglich sind sie durch und durch Nicole Eisenman. Wie in ihren anderen Stücken sehen wir viele Menschen: allein, in Gruppen, küssend, etwas trinkend, rumhängend. Aber diese Drucke haben etwas anderes. Sie fühlen sich nackt, zurückgezogen und intim.

Während ihre Ölgemälde kräftig und offen mit leuchtenden Farben und detaillierten Erzählungen sind, sind viele der Drucke zurückhaltend und weisen keine großen Hintergrunddetails auf. Dennoch ist es verblüffend, was der in New York lebende Eisenman, 57, mit der Messerschneide zu kommunizieren vermag. In Untitled (Girl With a Tear), einem Holzschnitt aus dem Jahr 2012, verwendet ein spärlich geschnitztes und Picasso-ähnliches Gesicht nur rosa Linien und negativen Raum, um einen Schmerz zu vermitteln, der für fast jeden erkennbar ist. In dieser einen trägen Träne steckt ein ganzer Ozean an Gefühlen.

Nicole Eisenman, Ohne Titel (Girl With a Tear), 2012

Von entscheidender Bedeutung für Eisenmans Druckgrafik und in „Prince“ hervorgehoben ist ihre enge Zusammenarbeit mit den New Yorker Druckereien Jungle Press, 10 Grand Press und Harlan & Weaver. In ihrem Jahr, in dem sie die Kunstform erlernte, erstellte Eisenman einen wöchentlichen Zeitplan für sich selbst und wechselte fleißig zwischen den drei Geschäften, während sie mit deren erfahrenen Druckern an verschiedenen Techniken arbeitete. „Ich war richtig hungrig, mehr über all diese verschiedenen Prozesse zu lernen“, sagt Eisenman. Immersion war der Punkt.

Und es gab viel zu lernen. Die Druckgrafik kann sehr technisch sein, und Eisenmans ständiges Experimentieren bedeutete, die Grenzen des Möglichen in Bezug auf Materialien, Verfahren, Maßstab, Farbe usw. zu erweitern. (Bathtub Relief, zu Ihrer Linken, wenn Sie den Galerieraum des Print Centers betreten, ist ein brandneues Skulpturenstück aus Aqua-Resin und Fiberglas, das ein „Do not touch“-Schild erfordert – was bei einer Druckmesse nicht oft erwartet wird.) Dies Der Geist der fortwährenden Entdeckungsreise und des Eingehens von Risiken könnte von ihrem Vater geerbt worden sein. „Er war Psychiater, hatte aber immer ein Hobby“, erinnert sich Eisenman. „Einmal war es eine Holzwerkstatt im Keller, ein anderes Jahr beschäftigte er sich mit Buntglasfenstern und er war ein Amateurdichter. Ich glaube, ich habe diese Gabe der Unruhe und Neugier von ihm geerbt.“

Nicole Eisenman, Künstlerin, 2010

Ätzplatte für Künstler

Erfreulicherweise enthält „Prince“ neben Originaldrucken auch einige Radierungsplatten und Reliefversionen. Diese Ergänzungen wirken wie ein Blick unter die Haube, die künstlerische Enthüllung der Produktionsmittel. Eine der aufregenderen Einschlüsse in diesem Sinne ist Watermark und seine sieben progressiven Proofs. Mithilfe einer nachbearbeitbaren Kupferplatte (eine Technik der Tiefdrucktechnik, die auch Picasso verwendet) baut Eisenman langsam eine Szene ihrer beiden Kinder im Haus ihrer Großeltern in Maine auf, füllt Details aus und schärft die Schattierung. Im ersten Beweis sind die Kinder nur schwarze Kleckse, der Raum um sie herum ist leer. Schließlich erhalten wir ein erstaunlich detailliertes Bild. Sogar die Bücher in den Regalen haben Titel, die in die Buchrücken eingraviert sind. Der Effekt ist, als würde ein Traum vor Ihren Augen Gestalt annehmen.

Installationsansicht von Watermark in „Nicole Eisenman: Prince“. Foto von Argenis Apolinario für Print Center New York

Von Alexandra Macon

Von Lilah Ramzi

Von Emily Chan

Diese kleinen Hinweise auf Eisenmans Prozess lösten bei mir oft ein Push-Pull-Gefühl aus, wenn ich Kunst betrachte. Ein Teil von mir möchte wissen, wie all diese Teile hergestellt wurden: Wie viele Durchgänge pro Platte, welche Ausrüstung wurde verwendet, wie lange hat es gedauert. Aber wie bei jeder Kunst liegt Gelassenheit darin, nicht zu wissen und zuzulassen, dass die aufsteigenden Gefühle der Freude, des Humors oder der Melancholie ausreichen.

Seit ihrer anfänglichen intensiven Beschäftigung mit der Herstellung von Drucken ist Eisenman zum Medium zurückgekehrt, wenn ihr die richtige Idee kommt. „Es gibt eine Grenze zwischen Zeichnung und Skulptur, die die Druckgrafik überschreiten kann“, sagt sie. Vielleicht entsteht eine Collage aus einer Zeichnung auf Holzresten mit Wachs aus ihrem Atelier. Theoretisch sagt sie: „Das Material muss einem den Weg weisen.“ Aber Ideen bleiben bestehen, ebenso wie Charaktere. In „Prince“ gibt es Abzüge von Cartoon-Köpfen, die vor einem Jahrzehnt angefertigt wurden – wie die drei Versionen von Untitled (for Parkett 91) –, die Arbeiten in einer kürzlichen Ausstellung von Gemälden und Skulpturen bei Hauser & Wirth ähneln, eine Verbindung, die Eisenman in der Realität herstellte. Zeit, als wir neulich gesprochen haben.

Nicole Eisenman, Biergarten, 2012–17

„Beer Garden“ – der größte in der Ausstellung mit einer Breite von 1,20 m und fast genauso hoch, und einer, der zu Recht große Anerkennung gefunden hat – bezieht sich auf einige von Eisenmans bekanntesten Gemälden, darunter „Brooklyn Biergarten II“ aus dem Jahr 2008. In beiden findet ein Volkskongress statt – Freunde, Künstlerkollegen, Doppelgänger – versammelt unter Café-Lichtern, die in Bäumen aufgehängt sind. Dem Druck sind die satten Farben des Gemäldes entzogen, aber die in Grautönen wiedergegebenen Details nehmen kein Ende: das Anzünden einer Zigarette, Schlagzeilen in der Zeitung über Drohnen bei Occupy, ein über dem Kopf hochgezogenes Baby. Die Herstellung dieses monumentalen Stücks dauerte fünf Jahre, von 2012 bis 2017, und es bringt etwas auf den Punkt, das für jedes Werk von Nicole Eisenman gilt: Sie beherrscht die Sprache der Widersprüche des Lebens fließend und zeigt uns die Schönheit im Chaos.

„Nicole Eisenman: Prince“ ist bis zum 13. Mai 2023 im Print Center New York, 535 West 24th Street, geöffnet.